Andrea Schroeder - Blackbird

(Pubblicato su Extra! Music Magazine)

“Blackbird singing in the dead of night“ cantavano quattro ragazzi di Liverpool nel loro “album bianco”, ispirandosi idealmente alle lotte del Movimento per i Diritti Civili americano; un canto, quello del merlo, realmente tra i più melodiosi all’interno del mondo degli uccelli, al quale Andrea Schroeder dedica il proprio debutto discografico, Blackbird. Esordio con alla base un processo compositivo alquanto particolare, come spiega la stessa Schroeder: “Molte delle canzoni sono nate da poemi, le melodie sono scaturite conseguentemente, in un’organica fusione con il lento fluire delle parole”. Nasce infatti artisticamente come poetessa la giovane tedesca, prima di dedicarsi, grazie all’incontro con il chitarrista danese Jesper Lehmkuhl, alla carriera musicale. Un percorso analogo a quello di un’altra “collega”, quella Patti Smith, con la quale la Schroeder mostra più di una similitudine anche a livello vocale. Sembra di vederli i due, novelli Smith e Kaye, nella loro piccola stanza nel Berlin Wedding, quartiere operaio della capitale tedesca, a centellinare note e melodie attorno ad ogni singola sillaba, nel tentativo di creare un tessuto lirico musicale dalla palpabile intensità emotiva. Un album, Blackbird, nero e scuro come il piumaggio del pennuto al quale è dedicato, in bilico tra livore malinconico e ipnotica sensualità, acuite dal lavoro in cabina di regia ad opera di Chris Eckman. La mano del leader dei Walkabouts è infatti ben avvertibile tra i solchi del lavoro, sia a livello d’invisibilità produttiva, soprattutto in un certosino lavoro di arrangiamento degli archi, quanto di attivo apporto strumentale, dividendosi in egual misura tra chitarra elettrica ed organo. Un tessuto sonico che fa tuttavia del minimalismo, di seppur struggente funzionalità, la propria forza, dove ad emergere è la voce della Schroeder sui chiaroscuri sonici dipinti dalla chitarra di Lehmkuhl. L’influenza smithiana come detto poc’anzi è quanto mai evidente, soprattutto in brani come l’opener Paint It Blue, in un’indolente crescendo emozionale, a tratti quasi operistico, quanto nelle vampate elettriche del serrato incedere di Bebop Blues, le cui liriche sono state estrapolate dal quasi omonimo poema, “Buffalo Bebop Blues” di Charles Plymell. Con la recitativa Wrap Me In Your Arms e la plumbea e spettrale Ghost Ship ci si addentra invece in territori cari al Nick Cave più intimista, in un dark crooning dall’insinuante malia. Oscurità che si dirada, perlomeno a livello sonoro, in Death Is Waiting, placida slow country ballad elettroacustica, prima di ritornare nell’ombra con la title track, notturna dedica al merlo stesso, dove l’evocativo canto della Schroeder è sostenuto da esili e crepuscolari partiture soniche per soli chitarra acustica, contrabbasso e violoncello. Chiude il disco una marziale Kalte, unico episodio in cui la cantante ricorre al proprio idioma natio, in un immaginifico quanto funereo incontro tra le anime di Marlene Dietrich e di Nico.
Un’opera prima di sorprendente maturità, Blackbird, che mostra un’artista ben conscia tanto dei propri mezzi, quanto della strada sonica intrapresa. Percorso che, se non subirà improvvise deviazioni, non potrà che portare in futuro ad altri capitoli musicali di siffatta bellezza.

Dead Man Watching - Love, come on!

(Pubblicato su Extra! Music Magazine)

Belleville, Illinois, o Raleigh, Carolina del Nord, piccoli, e per molti insignificanti, nomi nella sterminata immensità del territorio statunitense, eppure, nei primi anni Novanta, epicentro di una rivoluzione musicale, denominata Alternative country, capace di irradiare la propria influenza dalla remota Levelland verso i quattro punti cardinali, travalicando confini temporali oltre che fisici. E proprio all’operato di questi pioneristici beautiful losers, spesso scomparsi, troppo presto, tra le asfissianti maglie del mercato discografico, sembrano guardare i Dead Man Watching, trio veronese, formatosi nel 2007, con all’attivo già due EP, ed oggi al suo debutto sulla lunga distanza. Si perché questo Love, Come On! più che in uno studio veneto parrebbe aver avuto la propria genesi in qualche sperduta sala d’incisione a stelle e strisce, meta di giovanotti dalle belle speranze con una chitarra a tracolla e un foglio di liriche in mano, in cerca dell’ultima, ed unica, occasione per abbandonare definitivamente un’ordinaria ed angusta vita provinciale. Un album nel quale vengono convogliate, per fondersi infine in un’intrigante amalgama sonoro, le diverse personalità dei tre “titolari” del progetto, a cominciare dalla penna, tra slowcore e indie folk di John Mario, passando per il polistrumentismo sixties oriented dello sperimentatore sonico Gio, per giungere infine al substrato ritmico a cura di Astor Cazzolla, batterista open minded nonché ideale collante percussivo. Frutto di questa fatica compositiva “partecipata” è un impasto musicale che trae la propria linfa vitale tanto da polverose ‘rural route’, quanto da melodie westcoastiane provenienti dalla calda California, filtrando il tutto con introspezione avant folk e la lentezza dello slowcore. E proprio quest’ultima pervade tanto Red Balloon, meravigliosa nel suo lento e sognante svolgersi, tra umorali riff delle sei corde elettriche ed evocative armonizzazioni vocali; quanto le derive sperimentali di Here The Night Comes, esempio migliore, in coppia con l’iniziale In The Badlands, del riuscito connubio tra le differenti personalità dei tre musicisti veronesi. L’arrembante appeal di una Jesus Christ Wannabe, che evoca, complice un liquido organo, sonorità smaccatamente sixties, sposta invece il baricentro verso un folk, di solare impronta californiana, che ritroviamo, seppur nella sua accezione avant, tanto nella brumosa Bad Teen Movie, tutta giocata sul picking leggero della chitarra acustica, enfatizzato dagli inserti cameristici del violoncello di Andrea Marcolin e del violino di Erica Marson, quanto nella pacatezza sonica della sussurrata August Burns. Ci spostiamo invece dalle parti di Raleigh, con Give It A Sound, debitrice, vuoi anche per la presenza della pedal steel di Carlo Poddighe, nei confronti dei Whiskeytown di un ancora imberbe Ryan Adams. Sonorità quest’ultime che fanno capolino anche in Bite, tra classici stilemi country e sbuffi modernisti, tra i Flying Burrito Brothers parsoniani e gli Uncle Tupelo più “tradizionalisti” (quelli di March 16-20, 1992 per intenderci). La title track chiude infine come un’esile soffio di vento, simile a quello che “divide” i soffioni in copertina, un esordio di ottima fattura, opera di un combo che ha un solo difetto, vivere dalla parte sbagliata dell’Oceano.

La Casa del Vento - Giorni dell'Eden

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E’ sempre stato un collettivo “atipico” quello della Casa del Vento; nei suoi ranghi, in una convivenza musicale che dura ormai da più di vent’anni, trovano infatti posto un maestro elementare, un operatore cimiteriale, un musicista-fattore berlinese, un ricercatore e due musicisti erranti. Persone comuni quindi, capaci tuttavia di portare avanti un percorso artistico che, senza cedimenti di sorta, ha sempre saputo mantenere un forte impegno civile, raccontando storie di vita vissuta, tra ingiustizie Banga. Un incontro che pare aver sconvolto in parte il loro mondo musicale, o perlomeno questo è ciò che si evince ascoltando Giorni dell’Eden, nuova fatica discografica marchiata Casa del Vento. Il sestetto pare infatti aver accantonato, almeno in parte, la combattività sonora che ne aveva fin qui contraddistinto l’opera, in favore di una maggiore introspezione, alla quale si aggiunge, a livello testuale, un più consistente ricorso alla metafora, tralasciando gli slogan del passato. Un modo forse di scrollarsi di dosso le ingombranti etichette affibbiategli fin dagli esordi, prediligendo una dimensione più raccolta, tra melodie acustiche di stampo folk, e facendo proprio un idioma, quello inglese, solo sfiorato in passato. Risultato di questa trasformazione è appunto Giorni dell’Eden, un album, descritto dagli stessi autori, come poetico, aggettivo quanto mai calzante. Ad animare l’intero lavoro è la costante ricerca di “un proprio cielo”, lontano dalle brutture che funestano il mondo odierno, in un’ascesa verso aerei orizzonti che, in Portato dalle nuvole, trova nel violino di Andreas Petermann, un celeste traghettatore. Un guardare in alto verso sogni lontani che si scontra, tuttavia, in L’acrobata, con la paura di non farcela e di cadere sempre più in basso, pur permanendo nel cuore la speranza dell’avvento dei Giorni dell’Eden, invocati dalla stessa title track, nella quale troviamo alla sei corde elettrica nientemeno che Lenny Kaye, testimonianza di come il sodalizio con l’universo smithiano continui tutt’oggi. O come ribadito da Icarus, con ospite, alla voce, Violante Placido, dove la triste vicenda del personaggio mitologico viene riscritta, con un nuovo e moderno Icaro, le cui ali non vengono più bruciate dal sole, che può finalmente coronare i propri aneliti di libertà. Intrisa di malinconia è invece la pianistica Berlin Serenade, dedica ad una città, quella tedesca, molto amata, mentre particolarmente riuscito è il reprise di Just Breathe, dal songbook dei Pearl Jam, che Luca Lanzi rilegge in coppia con l’amico Francesco “Fry” Moneti, al mandolino, enfatizzandone ancor più, grazie ad uno scarno impianto strumentale, l’avvolgente melodia. Una ritinteggiatura, con acquerelli sonici dalle tinte pastello, che pare aver reso ancor più accogliente la Casa del Vento, uno dei pochi luoghi sicuri, ancora rimasti, nel quale trovar rifugio dalle intemperie, reali e metaforiche, in compagnia di vecchi amici, la cui musica non è forse mai stata così genuina e vitale.
subite e voglia di riscatto. Messaggi di grande valenza sociale quindi, quelli contenuti nelle loro canzoni, che hanno trovato un ideale veicolo sonoro in quel combat folk, che fin dagli esordi ha contraddistinto la proposta sonora del combo aretino. Abituati in passato a muoversi nella “parte scura” del mercato discografico, lontani dai riflettori dei media, i nostri sono recentemente balzati agli onori delle cronache musicali, grazie ad una collaborazione con la “poetessa del rock”, quella Patti Smith che li ha fortemente voluti al proprio fianco in ben due brani del suo recente album,

Balzi del Mulo - Scintille

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“La teoria che i reading si debbano fondere necessariamente con il rock’n’roll è una stronzata gigantesca” sentenziava il mai troppo rimpianto Jim Carroll. Un “insegnamento” che i Balzi del Mulo hanno fatto loro, perlomeno a giudicare da quanto contenuto tra i solchi di Scintille. Un progetto musico-letterario con il quale i nostri rivestono di un setoso abito musicale, dalle scarne ed acustiche trame folk (bandendo al contempo dai propri pentagrammi debordanti sonorità rockiste), una selezione di poesie, facenti capo all’opera omonima, frutto della vivida penna di Massimo Ocera. Quest’ultimo, oltre a fornire la “materia prima” di stampo letterario, è anche artefice, con la propria sei corde acustica, di architetture sonore dall’esile fascinazione, indissolubilmente intrecciate intorno all’istrionica e teatrale vocalità di Simone Garza. Ad essi si affianca infine Andrea Calegaro, abile nel dividersi tra percussioni e violino. Proprio lo ieratico scorrere dell’archetto sprigiona ulteriore incanto folkie, creando un amalgama sonico che non si riduce al ruolo di mero accompagnamento, ma diviene bensì un pittoresco tappeto musicale, la cui fusione con la poeticità testuale di Ocera si cristallizza in una sorta di “spoken song” di minimalistica bellezza. Ne sono esempi il dolce pizzicare delle corde della chitarra e del violino in Pomeridiana, così come Marinai Agitati, emblematica di cotanto connubio musico-testuale, nella quale è ancora la chitarra acustica a far da guida al violino e ad un lento declamare vocale, in un procedere quasi a braccetto, come a volersi sorreggere a vicenda. Folk che ritroviamo pregno di bucolica malinconia in Nella Pioggia e Nel Camino, prima di sporcarsi di tinte bluesy in Esagerati, dove il lavorio ritmico di Ocera trova il proprio ideale contrappunto solistico nella chitarra acustica di Amerigo Lancini. In Compiti ed Aggiornamenti fa la sua comparsa invece la carezzevole voce di Francesca Scalari, in un riuscito duetto con il carismatico recitare di Garza. Anche negli episodi di più marcato incedere il trio procede sicuro dei propri mezzi espressivi, come nell’iniziale Prima di Reutlingen, con il contrabbasso di Ennio Pedercini a porre ulteriori accenti ritmici. Un’opera, quella approntata dai Balzi del Mulo, che, pur mantenendo intatta anche su album la propria forza vitale, merita, a mio avviso, di essere apprezzata nella dimensione ad essa più consona, ovvero le assi di un palcoscenico, magari di un piccolo ed intimo teatro. Balzi, vortici, tempeste, e dolci ritorni a casa, questo è ciò che vi è racchiuso in Scintille, per un viaggio da farsi a mente dannatamente sgombra.

Flowers - Monna Lisa Store

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Il brit pop, terreno musicale con un apice di fertilità raggiunto nella metà degli anni ‘90, pare ancor oggi essere foriero di nuove messi soniche. Dai solchi di quest’ultimo, infatti, protendono al sole i propri petali i “Fiori” emiliani, irrorati nella loro crescita da abbondanti innaffiature di Oasis e Supergrass, ed oggi, con Monna Lisa Store, pronti a sbocciare definitivamente. Il trio dimostra senza dubbio di aver tratto giovamento dall’apporto nutritivo dell’humus nel quale è cresciuto, filtrando melodie british con una galvanizzante attitudine al limite del punk. E se le qualità musicali dei nostri sono d’ineccepibile concretezza, a colpire in particolar modo è la voce di Alessandro Silvotti perfetta, nella sua somiglianza con quella di John Lawler degli scozzesi Fratellis, per l’impasto sonoro qui proposto. Esula tuttavia, dal mood generale dell’album, l’opener   Country Shop, che la sei corde elettrica dell’ospite Andy MacFarlane, devia verso l’altra sponda dell’Oceano, in un roboante rockabilly, ahinoi rovinato nel finale da un irritante scimmiottamento degli “urletti” dello scomparso Jacko. Si attestano invece su di coordinate più smaccatamente brit tanto l’ibrida ballata Heart Of Life, tra morbidezza acustica e stridenti sventagliate elettriche, con all’interno un richiamo ad un passo del De Profundis wildiano, quanto una Let Me figlia, per struttura e soluzioni melodiche, della lezione impartita dai fratelli Gallagher. Fantasmi sonori dei primi Jet si avvertono invece tanto nella schiettezza di It’s Gonna Be All Right, con l’hammond di Paolo “Apollo” Negri a dispensare liquidi fraseggi, quanto nella rabbiosa elettricità di Free My Mind. Si affievoliscono in parte i toni nell’effervescente ariosità di Four In A Row, dalle parti del post britpop targato Starsailor, così come nella conclusiva For Anytime, tra fervori indie rock e scalpitanti reminescenze country. Un “negozio d’arte musicale”, quello aperto dagli emiliani Flowers, al cui interno gli amanti delle suddette sonorità troveranno di che gioire, ma nel quale si avverte purtroppo la mancanza di un vero e proprio capolavoro d’originalità creativa, frutto di pennellate dai luminescenti e personali colori sonici, mentre vi è un’abbondanza di falsi d’autore, i quali, seppur di buona fattura, rimangono tuttavia delle pedisseque copie delle tele soniche di ben più blasonati predecessori.

Massimo Zamboni e Angela Baraldi - Un'infinita compressione precede lo scoppio

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“Nomi e cognomi, niente sigle. Siamo noi: sogni, visioni, pensieri, istinti, voglie, paure, arrabbiature e la loro trasformazione in canzoni e suoni, testi, immagini”; quali se non le parole dello stesso autore possono descrivere al meglio Un’infinita compressione precede lo scoppio, nuovo parto discografico di Massimo Zamboni? Un album che vede il chitarrista emiliano nuovamente affiancato dalla propria conterranea Angela Baraldi, a rinsaldare ulteriormente un sodalizio nato e sviluppatosi sui palchi italiani, prima con il fortunato tour Solo una terapia - Dai CCCP all’estinzione, al quale hanno fatto seguito, la scorsa estate, i tre concerti sotto il nome di 30 anni di Ortodossia. Esperienza on stage trasposta oggi tra le quattro mura di uno studio di registrazione, in un’empatica collaborazione artistica dalla quale traspaiono i fantasmi del passato musicale di Zamboni, a cominciare dalla sua precedente partnership femminile, dove protagonista era la meravigliosa vocalità di Nada. In un ipotetico confronto con quest’ultima non pare tuttavia sfigurare Angela Baraldi, la cui voce rifulge per potenza evocativa e bellezza espressiva, tra enfatici scampoli di pura recitazione, sublimi vocalizzi e rabbiose grida, in un’ulteriore valorizzazione emozionale delle liriche zamboniane. In una dedica all’Italia, “che s’inclina, s’inciampa, s’incaglia”, quest’ultimo appronta infatti undici composizioni dalla consueta, proverbiale, furia testuale, acuita dall’addensarsi, sullo sfondo, di nere nubi soniche, sprigionanti elettriche folgori, a squarciare il livore di un grigio cielo di plumbea insofferenza. E se l’inizio è quasi in sordina, con la salmodiante dichiarazione d’intenti di Vorremmo esserci, nella quale la voce della Baraldi diviene ideale contrappunto di quella del proprio partner artistico, nella ballata notturna Nel cuore della notte, regala invece, su di un cupo battere dei tasti del pianoforte, attimi di palpitante poesia. Dalla rabbia declamatoria di Lamenti affiorano, vuoi per la presenza al basso dell’ex compagno “consortile” Gianni Maroccolo, echi delle precedenti scorribande soniche zamboniane, così come in Fallimentare, dove fa la sua comparsa, alle backing vocals, un altro sodale dei bei tempi andati, Giorgio Canali. Trasudano invece virulenti bagliori elettrici tanto l’antiamericanismo reiterato di Sbrai, quanto la litania tribale di Fine, con l’ottimo lavorio ritmico del basso di Cristiano Roversi e della batteria di Simone Filippi, per giungere infine alla spietata fotografia sociopolitica del Bel Paese di In rotta. Elettricità che si stempera tuttavia in avviluppanti atmosfere elettroniche tanto in Parlare non toccare, dalle dilatate aperture melodiche, quanto nella magnificenza di Protezione in negativo, con la voce della Baraldi e la chitarra di Zamboni, nel finale, a rincorrersi prima di confluire in un’affascinante infrangersi armonico; fino al parossismo della conclusiva Ad ora incerta, tra immaginifiche costruzioni sonore ad opera della sei corde elettrica, all’interno delle quali la voce si tramuta quasi in un flebile sussurro. Due individualità, quelle dei cointestatari del lavoro, capaci di fondere le proprie peculiarità soniche in un suggestivo “esistenzialismo elettrico”, nell’attesa che, dopo un’infinita compressione ed al suo conseguente scoppio, si giunga ad una nuova espansione, un nuovo ordine.

Perturbazione - Musica X

(Pubblicato su Extra! Music Magazine)

Forgiare una musica indeterminata, lontana da ogni genere di etichettamento, libera di fluire senza costrizioni di sorta, siano esse dettate da formule sonore precostituite quanto dal proprio passato sonico; questi gli intenti alla base di Musica X, sesto album a nome Perturbazione. Un’opera, la cui indeterminatezza è rimarcata dalla stessa X contenuta nel titolo, che con i suoi 35 minuti, è l’antitesi, perlomeno a livello di durata, del precedente, doppio, Del nostro tempo rubato. Una brevità che tuttavia giova all’economia generale del disco, dando modo al combo rivolese di focalizzare al meglio i propri desideri di sperimentazione, tanto a livello di programmazione elettronica, quanto ritmici e melodici. Per riuscire in quest’ambizioso intento, Cerasuolo e compagni si affidano alle sapienti mani di Max Casacci, il cui apporto in cabina di regia risulta essere fondamentale nell’indirizzare i nostri verso inedite soluzioni soniche. Un giocare con la materia pop, intorno alla quale vengono plasmate mai invasive trame elettroniche, che è sintomatico di una crescita, album dopo album, non solo anagrafica ma anche artistica. Proprio il raggiungimento dell’età adulta, della maturità è uno dei temi intorno al quale si dipana un tessuto lirico ironico e tagliente, con tuttavia un ben marcato fil rouge narrativo basato sulla vita di coppia, dalla manutenzione della stessa fino al suo scoppio. Un eclettismo lirico e musicale che si estende anche al carnet di ospiti presenti, quanto mai variegato; a cominciare da I Cani, nell’incedere quasi marziale di Questa è Sparta, passando per la fascinazione vocale di Erica Mou nell’esplicitazione sessuale di Ossexione, fino al duetto “generazionale” tra Cerasuolo e Luca Carboni ne I baci vietati, tanto improbabile sulla carta quanto riuscito a livello di resa sonora, tanto da guadagnarsi la palma di uno tra i migliori episodi del lotto. Dieci i brani presenti, in una continua reiterazione di quella X che ci accompagna fin dall’inizio della recensione; dieci fondamentali episodi di un unicum sonico, da assaporare nella sua interezza per apprezzare appieno il certosino lavoro musico-testuale che gli ha dato vita pentagrammatica. Musica X è il figlio primogenito di una nuova “complessità pop”, capace di sintetizzare nel breve spazio di un’opera i più disparati elementi; ma al contempo anche il nipote di quella mobilità e disinvoltura, esplicate in tempi non sospetti da Italo Calvino, caratterizzanti la rapidità di stile; ovvero quelle qualità che s’accordano con una scrittura pronta alle divagazioni, a saltare da un argomento all’altro, perdendo il filo 100 volte e a ritrovarlo dopo 100 giravolte. Una definizione quest’ultima, estrapolata dalle Lezioni americane, capace di descrivere esaurientemente la nuova, mirabile, giravolta sperimentale a marchio Perturbazione.

Luke Winslow-King - The coming tide

(Pubblicato su Rootshighway)

Molti, in passato, per trovare la propria, metaforica, "strada", hanno dovuto preparare le valigie e percorrere non pochi chilometri. Questo, come la biografia di molti bluesmen insegna, vale anche, se non soprattutto, in ambito musicale. Proprio di quest'ultimi pare un moderno epigono Luke Winslow-King, originario di Cadillac, Michigan, sperduta cittadina ben presto abbandonata per stabilirsi, alfine, in quel di New Orleans. Un rapporto, quello con la Crescent City, divenuto quasi simbiotico, con il nostro a bazzicare sempre più spesso i locali del French Quarter, prestando i propri servizi musicali, tra gli altri, a John Boutte e "Washboard" Chaz Leary. Una necessaria gavetta verso una carriera solista arrivata oggi con The Coming Tide al traguardo del terzo album, nonché esordio per la Bloodshot Records. Una discografia caratterizzata da un continuo crescendo creativo e qualitativo, con punte di eccellenza nel precedente Old/ New Baby, sulla falsariga del quale è stato scritto anche quest'ultimo parto discografico. Là dove però il predecessore presentava una più marcata influenza musicale della Big Easy, in The Coming Tide assistiamo ad un'apertura verso stilemi blues di derivazione deltaica e architetture melodiche di stampo folkie. Del recente passato permangono invece la perizia del nostro sulla propria sei corde, a tradire la sua imberbe età anagrafica, e un songwriting capace di riportare a nuova vita i fantasmi sonori della tradizione afroamericana, infondendo in essi la propria rilucente personalità. Winslow-King si avvale del consueto manipolo di preparati musicisti, ai quali si aggiunge, in questo frangente, la compagna Esther Rose, fondamentale, tanto per il suo contributo nel creare empatiche armonizzazioni vocali, quanto nell'infondere al tutto, con il grattare della sua washboard, un tocco Old Time. Un'atemporalità musicale che pervade la title track con la quale, su di una sincopata sarabanda ritmica in odore di Second Line, ci addentriamo proprio nel French Quarter, prima di ritrovarci, sulle note di un piano, nel saltellante ragtime Moving On (Towards Better Days), seduti in uno dei locali che affollano lo stesso, dove un'orchestra d'altri tempi si destreggia, in Let 'Em Talk, tra gli sbuffi jazzy dei fiati e lo strascicato ciondolare ritmico della washboard. Soave valzer è Staying In Town, con le due voci ad unirsi in un matrimonio armonico perfetto, mentre con I've Got The Blues For Rampart Street viene omaggiata l'opera di una delle più eccelse cantanti afroamericane, Ida Cox. Un amore, quello per il blues arcaico, che traspare tanto dal flavour gospel della johnsoniana Keep Your Lamp Trimmed And Burning, quanto dall'oscura rivisitazione della Ella Speed di Huddie Ledbetter, fino ad una conclusiva I've Got My Mind Set On You, con un lavoro sul bottleneck degno del miglior Ryland Cooder. Un musicista dal talento sopraffino Luke Winslow-King, del quale The Coming Tide è l'ennesima, splendida, testimonianza sonora.

Accents - Growth and squalor

(Pubblicato su Extra! Music Magazine)

Nella sua costante evoluzione l’universo indie folk ha visto a più riprese comparire, nel loro siderale passaggio nei pressi dei suoi pianeti principali, nuovi asteroidi sonori. In questa particolare osservazione astro-musicale ci si può pertanto imbattere, molto spesso, in piccoli corpi celesti dall’accecante bellezza, tra i quali spicca senza dubbio quello a nome Accents; progetto a due partorito dalle menti di TJ Foster e Benjamin Hemingway. Già tra i fondatori dei The Cast Before The Break (nei quali oggi milita tuttavia il solo Foster), i nostri tornano ad incrociare il loro cammino musicale, dando vita, con Growth And Squalor, ad una più che riuscita opera prima. Dieci policrome composizioni frutto di un songwriting, quello di Foster, che allontanandosi in parte dagli elettrici profluvi della “band madre”, esplora in questo frangente ambientazioni soniche più intime e raccolte, sintetizzate in misurati arrangiamenti d’evanescenza folkie. Ne sono un cangiante esempio With The Light, con una chitarra acustica di derivazione quasi “cashiana” a marcare il tempo, o il sontuoso distendersi, tra melodiosi intrecci vocali, di Around. Proprio quest’ultimi paiono rappresentare una delle peculiarità della formula sonora del duo, con la voce nasale e acuta di Hemingway che ben si contrappone a quella ben più calda di Foster, alle quali, in più di un episodio, va ad aggiungersi la flessuosa vocalità di Lauren Alexander, loro compagna spesso anche on stage. Armonie vocali che echeggiano, in un brumoso baluginare autunnale, tra gli immaginifici paesaggi agresti di Storms, così come nella lenta ballata The Low, dalla quale emerge maggiormente l’anima indie folk dei nostri. Materia sonica quest’ultima che, nella sua accezione più modernista e sperimentale, ritroviamo anche tra i solchi di Way Out, dove l’equilibrio tra sognanti arie acustiche e spigolosità elettriche raggiunge il proprio zenit. Si avvertono invece reminescenze della passata, e condivisa, esperienza musicale in Routine Movements, che poggia su di un ficcante riff della sei corde elettrica, ulteriormente imbastardito dalla causticità ritmica di basso e batteria. E se Alright With Me ricalca in modo fin troppo sfacciato sonorità Coldplay oriented, i nostri si fanno ampiamente perdonare nel finale con una a dir poco splendida Sorrow; tanto nel suo evocativo incipit, quanto nel marziale crescendo finale, sfociante in una sublime coralità. Non vi resta pertanto che lasciarvi attrarre nell’orbita dell’asteroide Accents, nella speranza che permanga stabilmente nel sistema solare Indie Folk e non si perda, al contrario, negli oscuri meandri dell’attuale universo discografico.

Eels @ Alcatraz - Milano

(Pubblicato su Extra! Music Magazine)

Se si dovesse, in un ipotetico gioco di associazioni mentali, trovare l'equivalente animale degli Eels,
più che le anguille, suggerite peraltro dal loro stesso nome, non avrei esitazione nel dire il camaleonte. E camaleontica lo è davvero la creatura di Mr E, capace, di volta in volta, di mutare le
proprie fattezze e colorazioni soniche, nell'assecondare i folli umori musicali di quest’ultimo. Il concerto di questa sera ne è stata l'ennesima prova con i nostri ad infiammare l'Alcatraz con più di un'ora e mezza di robusto garage rock venato da forti sentori bluesy. Ad accoglierci è stato tuttavia un inatteso intermezzo, con Puddles, vero e proprio gigante agghindato da pagliaccio, ad intonare, con voce possente, una serie di improbabili cover, supportato da una ballerina, dalle sembianze scimmiesche, intenta a lanciare banane in platea. Un siparietto in puro "Everett style", stuzzicante antipasto in attesa del vero opening act della serata, ovvero Nicole Atkins. Tocca infatti alla cantautrice del New Jersey, scaldare musicalmente gli animi dei presenti, con un breve set per sola chitarra elettrica e voce, equamente bilanciato tra brani autografi e composizioni altrui. E se dai primi, emerge un songwriting di buon livello, con i secondi a mettersi in luce è la forza interpretativa della Atkins, in particolar modo nella struggente rilettura della orbisoniana Crying. Giusto il tempo che la cantautrice lasci il palco, ed ecco che finalmente la "palestra rock" eelsiana può aprire i battenti. Su di un palco quantomeno spoglio, entrano infatti Mr E e soci agghindati in puro Adidas style, con tute e scarpe da ginnastica, e occhiali da sole d’ordinanza. A ribadire che quello di stasera sarà un concerto muscolare oltre che di sostanza, è una formazione ad alta gradazione rock; un quintetto formato, oltre che dallo stesso Mr E alla sei corde elettrica, da altri due chitarristi, The Chet e P-Boo, e da una nerboruta sezione ritmica affidata al basso di Honest Al e a quel pazzo pestatore di tamburi che porta il nome di Knuckles. Everett, posto su di un palchetto sopraelevato, può pertanto liberare l'anima più grezza ed animalesca del proprio alter ego musicale, che pare regredire addirittura ad uno stadio da primate, nella danza tribale in apertura di Peach Blossom, uno dei tanti estratti dal nuovo album che sentiremo questa sera. Lavoro quest'ultimo che verrà a dir poco saccheggiato, come nell’adrenalinico trittico iniziale, con una Bombs Away all’anfetamina, con tanto di bastone della pioggia listato a lutto per i recenti attentati di Boston, e una doppietta Kinda Fuzzy - Open My Present, che dispensa distorti profluvi elettrici. Altro capitolo discografico particolarmente toccato sarà Hombre Lobo, quasi un "gemello cattivo" dell'ultimo Wonderful Glorious, prima con i vocalizzi ululanti di una Tremendous Dynamite, in una crescente quanto allucinata sarabanda sonica, poi con le avviluppanti trame blues da terzo millennio di Prizefighter. Blues che, nella sua fusione con il rock di matrice Seventies, caratterizza anche le rivisitazioni pentagrammatiche altrui, tanto nell'infuocata Oh Well, dal repertorio dei Fleetwood Mac, dove, tra stacchi e ripartenze, un Mr E, di maracas munito, aizza gli astanti a far sentire il proprio calore, quanto nella malia psichedelica di una Itchycoo Park, a marchio Small Faces. E se i nostri si dimostrano a proprio agio nel maneggiare robusto materiale d'antan, non mancano i momenti di maggior rarefazione sonica, come l’eterea impalpabilità di Accident Prone, o il lento ciondolare folk rock, quasi dylaniano, di On The Ropes, con il resto del gruppo a seguire il proprio frontman con calibrata perizia. Una band in realtà tramutatasi in un’autentica famiglia, tanta è l'empatia che lega i singoli musicisti, che a più riprese si prodigano in affettuosi abbracci. Un rapporto ulteriormente cementificato dal tempo trascorso insieme sui palchi di mezzo mondo, come nel caso di Mr E e The Chet, compagni on stage da più di dieci anni. E quale modo migliore di sancire quest'unione musicale se non un vero e proprio matrimonio artistico? Ecco quindi P-Boo, vestire l’inedito ruolo di sacerdote e porre la fatidica domanda a The Chet; "Vuoi tu The Chet prendere il qui presente Mr E come tuo leader e frontman?" e ad una risposta affermativa di quest'ultimo, la medesima domanda viene rivolta al secondo; "E vuoi tu Mr E prendere il qui presente The Chet come tuo chitarrista solista?". Alla risposta affermativa di Mr E l'unione tra i due viene infine suggellata con la stretta di mano segreta degli Eels, mentre Knuckles intona una sdolcinata e middleriana Wind Beneath My Wings, prima di lasciarsi andare ad un roboante assolo nella delirante Go Knuckles! che termina con un abbraccio collettivo, al centro del palco, tra le risate e gli applausi del pubblico. Non vi è solo il presente nella scaletta eelsiana odierna, ma piccoli scampoli di un passato glorioso emergono a tratti, tra il freak rock di The Sound Of Fear, una Fresh Feeling cantata da tutti i presenti, fino alla ripresa di una deviata Souljacker Part I, dove pare che insieme ai nostri vi sia, a jammare, un Bo Diddley in pieno trip lisergico. E se il passato è glorioso, il presente lo è altrettanto con una Wonderful Glorious a chiudere il set principale. Neanche il tempo di lasciare il palco però che Mr E e soci tornano in scena per deliziare gli astanti prima con lo sferragliare country'n'roll I'm Your Brave Little Soldier, e poi con sublime medley tra My Beloved Monster e Mr E's Beautiful Blues, due tra i pezzi più amati della prima produzione del songwriter della Virginia. E dopo cotanto ben di Dio, che altro ci si potrebbe aspettare? Beh, si sa, Mr E è tipo imprevedibile ed ecco infatti i cinque ripresentarsi on stage per una cupa e straniante Fresh Blood, estrapolata ancora dal recente Hombre Lobo. Si accendono le luci in sala, e il pubblico inizia a sciamare verso l'uscita, convinto che ormai il concerto sia terminato, quando ad un tratto dal palco fluiscono le note di Dog Faced Boy. Maledetto Mr E, ce l'hai fatta di nuovo!! In una folle corsa verso il palco riesco ad arrivare tra le prime fila giusto per godermi gli ultimi scampoli dell'ironica ed autocelebrativa Go Eels!, con tanto di Puddles, che si aggira sul palco brandendo un cartello recante la scritta "Zitti, andate a casa!". Ora è davvero finita e possiamo pertanto seguire il consiglio clownesco, consci tuttavia di aver assistito a quello che Mr E stesso aveva, più che giustamente, descritto come un naturale e spettacolare evento.

SETLIST:

Bombs Away
Kinda Fuzzy
Open my Present
Oh Well
Tremendous Dynamite
Accident Prone
On the Ropes
Peach Blossom
Prizefighter
The Tornaround
New Alphabet
Fresh Feeling
The Sound of Fear
Wind Beneath My Wings / Go Knuckles
Itchycoo Park
Souljacker Part I
Wonderful Glorious

Encore1

I'm your Brave Little Soldier
My Beloved Monster - Mr E's Beautiful Blues

Encore2

Fresh Blood

Encore3
Dog Faced Boy
Go Eels

Quinzan - Venì, venì e mi amore

(Pubblicato su Extra! Music Magazine)


Contadino biologico, vignaiolo e musicista, Pietro Bandini pare vivere in profonda simbiosi con la propria terra, quella Romagna amata, coltivata, ed infine anche cantata, prima in un esordio a proprio nome, e poi sotto lo pseudonimo di Quinzan, in due album, U ‘n Piov e Lòm a Merz (quest’ultimo aggiudicatosi tra l’altro il premio MEI quale miglior disco dell’anno della propria regione), caratterizzati da liriche in forma dialettale. Sulla medesima scia si pone anche Venì, Venì e Mi Amore, che riesce nel non facile intento di racchiudere in un’unica tavolozza i colori musicali di una regione, l’Emilia Romagna per l’appunto, da sempre pregna delle più disparate sonorità. Un album caratterizzato da un profondo lavoro di ricerca etnomusicologica, in una pentagrammatica
esplorazione di arcaici canzonieri popolari, recuperando e musicando vecchie filastrocche e perduti brani tradizionali; ampliando al contempo il raggio uditivo del proprio “orecchio indagatore”, verso più moderni spartiti, in una trasposizione vernacolare di composizioni di illustri “colleghi”, nostrani e non. Ad aiutare, musicalmente, il nostro, troviamo un folto ensemble di musicisti, il cui contributo strumentale è oltremodo fondamentale nello creare trame musicali d’altri tempi. L’intero album è, nell’intenzione dell’autore, impostato come un’escursione sonora all’interno di un singolo giorno, dal risveglio fino allo scendere della notte, in un bucolico spaccato di vita quotidiana, con la voce dello stesso Quinzan come unica narratrice. Una giornata che ha il suo inizio, ovviamente al mattino, prima incontrando Giovan Trabiccola, in una giocosa filastrocca dove, sul saltellante percuotere dei tasti del pianoforte e delle lamelle del glockenspiel, Quinzan gigioneggia vocalmente, accompagnato da un coro di bambini; poi facendo visita ad una fanciulla, in attesa del proprio amato, in Venì, Venì e Mi Amore, dove la terra romagnola viene sferzata dalle polverose arie del border americano, in un “liscio desertico”, che ricorda quanto fatto, in tempi recenti, dai suoi conterranei Sacri Cuori. Spicca per splendore In Paradìs, impeccabile rivisitazione in romagnolo della morrisoniana Jackie Wilson Said, alla quale replica poco più avanti la cavalcata folk Quinzan e Piripaja, composta sulla musica della Camouflage di ridgwayiana memoria. Se Il Grillo e La Formica si rifà alla tradizione bandistica, con la festosa presenza di una vera e propria banda, quella dei Musicanti di San Crispino; nel lento valzer In Priest si respirano, sulle note del violino e del clarinetto, profumi balcanici. L’opera di “romagnizzazione” quinzaniana non risparmia neppure il cantautorato nostrano, tanto che il nostro si diverte a far propria l’irresistibile Per Un Basin (che qui diventa Per Un Basì), estrapolata dal surreale repertorio dell’immenso Enzo Jannacci. Con il progredire dell’ascolto si susseguono anche le varie fasi della giornata, fino ad arrivare ai primi chiarori della sera, ed a una ninnananna, Din Don, dove il dolente scorrere del bottleneck di Mirko Monduzzi incontra gli arabeschi sonori della fisarmonica, con Quinzan a duettare con l’incantevole voce di Luisa Cottifogli. L’appropinquarsi delle tenebre viene invece salutato da Serena Bandoli nel declamatorio incipit di La Nòt, vespertina ballata elettrica nata sulle parole dell’omonima poesia del santarcangiolese Nino Pedretti; prima di un ultimo omaggio, con Stuglè, in compagnia dei Radìs, al comune suolo natio. Una passeggiata musico-temporale che, non solo affascina, grazie alle proprie incantevoli ed intriganti melodie, ma al contempo instaura nell’ascoltatore il desiderio, una volta conclusasi questa “giornata in musica”, di risvegliarsi nuovamente in una Romagna d’altri tempi ma mai forse così, almeno musicalmente, vicina.

Iron and Wine - Ghost on ghost

Capita a volte di ritrovarsi con vecchi amici, persi di vista da tempo, e stentare, vuoi per le primavere trascorse per entrambi, vuoi per i segni lasciati da quest’ultime, a riconoscersi. Questa medesima sensazione, il sottoscritto, l’ha provata nel rincontrare, perlomeno musicalmente, il “vecchio” Samuel Beam. Ben lontano dai sapori agresti del folk degli esordi, il barbuto cantautore della Carolina del Sud, si era infatti presentato in un’inedita veste sonora con lo spiazzante Kiss Each Other Clean. La bassa fedeltà che ne aveva contraddistinto fino a quel momento la produzione artistica era stata soppiantata da un freak funk di matrice futurista, diventato vero e proprio centro nevralgico del modus operandi del nostro. Ma quanti pensavano potesse trattarsi solamente di un episodio isolato, o quantomeno di una sperimentazione effimera, dovranno oggi ricredersi. Più che una divagazione
passeggera dagli abituali sentieri bucolici, il precedente album può essere considerato, tutt’al più alla luce dell’odierno parto discografico, come un punto di svolta nell’avventura musicale a nome Iron And Wine. Un’opera, Ghost On Ghost, ancor più solenne ed elegante; un nuovo caleidoscopico arricchimento delle partiture beamiane, mai forse così pregne di iridescenti colori sonici, tra melliflue divagazioni in chiave jazzy ed assolati effluvi californiani, in una personale rivisitazione del pop orchestrale marchiato Van Dyke Parks. Fanno bella mostra di sé arrangiamenti multiformi, complessi nel loro sviluppo armonico, ma senza tuttavia mai peccare di pomposità, mantenendo tutt’altro al centro della propria narrazione musicale una ricerca melodica di rara purezza. Sotto la sapiente supervisione dell’ormai fidato Brian Deck, ed supportato da uno stuolo di musicisti impeccabili, il songwriting beamiano, libero da vincoli tematici, si cristallizza in piccole gemme d’adamantino splendore. A cominciare dalla solare apertura di Caught In The Briars, con la sezione fiati a soffiare gentile, prima di un’orgiastica sarabanda finale guidata dal pianoforte. Fiati che ritroviamo tanto nel sincopato muoversi di Low Light Buddy Of Mine, quanto nella policromia jazzy di Lover’s Revolution, con Beam nelle inedite vesti del crooner. Una voce quella del nostro che guadagna ulteriormente in espressività e duttilità, mostrandosi in tutta la propria grazia interpretativa tanto nell’estatico ondeggiare di Grass Widows, quanto nella poeticità invernale di una deliziosa Winter Prayers. Piccoli dipinti dalle tenui tinte pop sono invece The Desert Babbler e Joy, la cui malia risiede nell’aereo intrecciarsi di flebili vocalizzi. Un’incresparsi vocale che caratterizza anche il caracollante sbuffare di Grace For Saints And Gamblers, così come la conclusiva Baby Center Stage, magistrale esempio di dilatazione cosmic country. Il tempo ne avrà pur modificato le “fattezze musicali”, ma il buon Samuel Beam rimane sempre un caro vecchio amico capace, ad ogni nuovo incontro, di incantare con le proprie suggestive storie in musica.

The Bean Pickers Union - Better the devil

(Pubblicato su Rootshighway)

Se con Potlatch, l'esordio del 2007, il "Sindacato dei raccoglitori di fagioli" aveva ottenuto rigogliose messi dalla coltivazione di terreni di natura alternative country, con il nuovo Better The Devil, pare invece essere tornato a metodi agricoli più arcaici, andando a dissodare vecchi appezzamenti country e folk. Ideale humus lirico è poi la vena compositiva di Chuck Melchin, quanto mai fertile, nel suo dar vita a piccole storie di disperazione, speranza e redenzione che, sottoposte all'innaffiatura strumentale degli altri "raccoglitori", hanno modo di dischiudersi in tutta la loro bellezza melodica. A cominciare dall'insinuante Magnolia, nella quale si respira l'aria delle campagne del West Virginia, con pedal steel e hammond ad enfatizzare ulteriormente questa agreste sensazione di spazialità. Burning Sky invece sposta l'asse delle coordinate musicali verso il border messicano, in una sarabanda sonora condotta dallo strascicato spazzolare della batteria, e da una polverosa sei corde elettrica, con la propria corrispettiva acustica a ricamare speziate armonie tex mex. E' tuttavia nei toni dimessi, di più pura estrazione country, che i nostri paiono esprimersi al meglio, grazie ad una vocalità, quella dello stesso Melchin, calda ed espressiva. Quest'ultimi permeano composizioni quali Numb, dove ad una chitarra acustica "tweediana" spetta il compito di tessere un'evocativa linea melodica, resa ancor più avvolgente dall'ottimo interplay tra hammond e violino; o l'accorata Jolene, tutta giocata sull'intreccio acustico tra le corde della medesima chitarra e quelle del mandolino, con sullo sfondo timidi spettri elettrici. Su ben altri ritmi si attesta invece Ditch che, dopo un incipit attendista, si tramuta in un movimentato country'n'grass, nel quale il banjo guadagna le luci delle ribalta, bissando il tutto poco più avanti, nella ruralità old time di Tranquility. Torna a far propri stilemi più classicamente country la slow ballad Sometimes I Just Sits, che pare guardare all'opera del "rossocrinito" countryman texano; proprio quel Willie Nelson con il quale, a livello vocale, il buon Melchin presenta più di un'affinità. Lydia's Lullaby, come evidenziato dallo stesso titolo, è invece una carezzevole ninnananna, costruita su di uno scheletrico impianto strumentale acustico, con solamente due chitarre ad accompagnare la voce di Melchin, sorretta da sparuti contributi corali, e dal flebile scorrere dell'archetto del violino. Come peraltro avviene nel conclusivo, ed intimistico, commiato Cameo, dove il violino viene tuttavia sostituito da una languida pedal steel. E' un piccolo artigiano della canzone country folk Chuck Melchin, e Better The Devil, oltre a mostrarne una volta di più le ottime doti da songwriter, conferma il "Sindacato dei raccoglitori di fagioli" come una ben più che solida realtà. Non vi resta quindi che iscrivervi a questa sigla sindacale e raccogliere così i gustosi frutti coltivati da Melchin e soci.
 

Billy Bragg - Tooth and nail

(Pubblicato su Extra! Music Magazine)

L’integrità artistica, nonché umana, par oggi essere qualità quanto meno rara, perlopiù in un mercato, quello discografico, dove lo svendersi al miglior offerente è l’unico modo di ottenere un seppur effimero successo. Esula fortunatamente, da quanto poc’anzi affermato, Billy Bragg, artista che sull’integrità ha modellato invece un’intera carriera musicale, tra attivismo politico e impegno civile, ormai quasi trentennale. Anni passati a cantare della e per la gente, unendo ad un impeto al limite del punk, la canzone di protesta d’estrazione folk, sulle orme di un maestro, Woody Guthrie, la ombra sonora da sempre lo accompagna. Un cammino musicale arduo e irto di ostacoli, ma non avaro di gratificazioni; ultima, in ordine di tempo, il progetto cui Mermaid Avenue, che vedeva il bardo di Barking impegnato, in compagnia dei Wilco, a riportare alla luce alcune liriche, proprio del tanto amato Guthrie, rimaste, orfane delle sette note, sepolte in polverosi archivi. Album, quelli nei quali si è cristallizzato il progetto, di enorme valore storico-musicale, tanto nel loro gettare nuova luce sull’opera del cantore di Okemah, quanto nel riappropriarsi di quel caleidoscopico ventaglio sonoro che è la musica statunitense. Un’esperienza quest’ultima che deve aver segnato profondamente il buon Bragg, al punto da spingerlo, nella stesura del nuovo ed autografo Tooth And Nail, a persistere nella medesima direzione. Lontano dalla rabbia battagliera e dai clangori elettrici degli esordi, Bragg pare infatti mettere a nudo la propria anima da folksinger, traendo ispirazione, tra agresti melodie, tanto dalla classica ballata folk, quanto dal country e dal blues. Ad aiutare il nostro troviamo, in cabina di regia, nientemeno che Joe Henry, produttore di comprovata bravura, il quale appronta il consueto parterre de roi di musicisti dove, alla perizia tecnica, alle corde più disparate, di Greg Leisz, si affiancano il tocco delicato sui tasti bianchi e neri di Patrick Warren, e il mai invasivo percuotere della batteria di Jay Bellerose e del basso di David Piltch. Risultato di cotanti apporti strumentali è un tessuto musicale dai toni seppiati, di matrice acustica, letteralmente cucito intorno ad una voce, quella di Billy Bragg, mai così autentica e profonda nel suo cantare delle esperienze accumulate in una vita, vissuta sempre intensamente. Il proprio rapportarsi con la vita stessa, l’amore e la spiritualità, questi gli argomenti che imperniano testi di straordinaria intensità lirica, in un riflessivo scavare all’interno del proprio Io. Vedono così la luce brani di adamantina bellezza come il raccoglimento folkie di January Song, la placida slow country ballad Chasing Rainbows, fino alla dimessa melanconia di Goodbye, Goodbye. Al centro della narrazione vi è quel folk da sempre ideale veicolo sonoro attraverso il quale esprimere sentimenti e frustrazioni, come avviene nella spirituale Do Unto Others, sorta di personale reinterpretazione biblica in chiave ragtime, o nel lento ciondolare di una Handyman Blues al limite dell’ironia. Pregevoli poi i contributi testuali portati in dono da Joe Henry, tanto nel livido languore di Over You, con un Leisz a dir poco magistrale nel far scorrere il proprio bottleneck, quanto nello splendore melodico di una Your Name On My Tongue, a metà strada proprio tra la Mermaid Avenue e il Van Morrison delle “settimane astrali”. Una grazia sonora che accompagna anche una rilettura, con il cuore in mano, di I Ain’t Got No Home, uno dei brani più toccanti, quanto purtroppo di ancor tremenda attualità, tra quelli partoriti dalla penna di Woody Guthrie, del quale Bragg si conferma come il più valido erede. Se No One Knows Nothing Anymore, è un puro esercizio in stile Americana, con un’apertura nel finale verso rarefazioni cosmic country; sprazzi del passato combattente, perlomeno a livello sonoro, sembrano invece riaffiorare nella compattezza ritmica, venata da minimali sprazzi elettrici, di There Will Be A Reckoning, per poi tornare a stemperarsi nei toni smorzati di un, seppur ottimistico, commiato, affidato ad una Tomorrow’s Going To Be A Better Day, con tanto di spensierato fischiettio. Nel pieno della propria maturità Billy Bragg pare volersi mostrare per ciò che è veramente, un uomo nella sua più disarmante semplicità; il quale ha forse accantonato la propria irruenza combattiva, ma la cui anima è tuttavia ancor illuminata da una luce, quella della speranza, mai sopita; perché, nonostante tutto, “domani sarà un giorno migliore”.

Intervista a Viva Lion!

(Pubblicato su Extra! Music Magazine)

Abbiamo incontrato Daniele Cardinale per parlare della sua opera prima, “The Green Dot", capace di racchiudere, in sole cinque canzoni, l’intero universo sonoro di un’artista tutto da scoprire.

A leggere la tua biografia hai avuto un passato da indie rocker, quando è avvenuta la “folgorazione sulla via del folk”?

Nessuna folgorazione, direi piuttosto una grande influenza da alcuni side projects di indie rocker, di artisti che provengono dalle scene emo, punk e hardcore nordamericane. La folgorazione, se vuoi, è avvenuta in Canada.

C’è qualche artista, o album, in particolare, che ti ha influenzato o ha aiutato a far emergere la tua anima da folksinger?

Ce ne sono molti, e non tutti provengono dal folk. “Harvest” di Neil Young, “Killed or Cured” di The New Amsterdams, “Bring Me Your Love” di City and Colour. The Weakerthans, Grey Kingdom, Bon Iver, Sunparlour Players e mille altri.

”The Green Dot” è un concept su di una relazione, a distanza per la precisione, come è nata e si è sviluppata quest’ idea?

Vita vissuta. Ero tornato a vivere a Roma e stavo con una ragazza di Los Angeles. Facevamo avanti e indietro e le scrivevo canzoni che parlavano di noi, 4 sono diventate quello che ora è “The Green Dot” Ep, il punto verde, quello della webcam del mio MacBook.

Fin dallo stesso titolo sono inoltre evidenti i rimandi computeristici. Che rapporto hai, sia come persona che come musicista, con quest’ultimo e con la tecnologia in generale?

Non sono un freak della tecnologia ma andiamo molto d’accordo. Uso costantemente il mio laptop soprattutto per comunicare con il Nordamerica e gli amici ormai sparsi in tutto il mondo. Più tecnologia c’è, meglio è. Sempre che sia l’essere umano a gestirli e che siano a servizio del bene comune.

Quello che doveva essere un EP “solitario” si è tuttavia evoluto in un lavoro collettivo grazie anche alla presenza di una “famiglia allargata” di musicisti. È stata una scelta ponderata o figlia delle circostanze?

È stata una scelta naturale: ho sempre pensato che condividere sia meglio che competere. Roads Collide, Gipsy Rufina, Megan Pfefferkorn, i Velvet e tutti gli altri sono, o sono diventati, ottimi amici.

Tra gli ospiti presenti spicca per bellezza il contributo di Megan Pfefferkorn in Goodmorning/Goodnight, come siete arrivati a questa collaborazione?

Ho conosciuto Megan a Settembre dell’anno scorso in California, quando sono andato a suonare insieme a Claudio Falconi dei Grannies Club, ormai parte integrante di Viva Lion!. Abbiamo suonato insieme all’House of Blues di Los Angeles e al Joshua Tree Park, e da subito si è creata grande sintonia. E’ bravissima e ha grande talento. Io e Claudio abbiamo suonato anche una sua canzone e credo che collaboreremo con lei ancora in vista del full album.

Decisamente bizzarra è la scelta di inserire una rivisitazione di Footloose: che tipo di approccio utilizzi solitamente con la materia sonora altrui?

Mi piace moltissimo stravolgere canzoni, riarrangiare in chiave acustica ad esempio Blietzkrieg Bop dei Ramones o 99 problems di Jay-Z (che suoniamo dal vivo nella versione country di Hugo). E mi piace chi lo fa, dalle versioni punk delle hit pop americane alla versione di Julia Stone di Bloodbuzz Ohio dei The National. Ma non ho risposto alla tua domanda, mi son fatto prendere dall’entusiasmo. L’approccio è stravolgere e dimostrare che arrangiamenti completamente diversi di una canzone producono risultati altrettanto validi.

Colpisce l’assenza di una vera e propria batteria o di percussioni per così dire convenzionali, pur essendo ben percettibile un sottile substrato ritmico. Ci puoi parlare di questo “sperimentalismo percussivo”?

Abbiamo utilizzato il corpo umano e il legno del pavimento dello studio. Mani, piedi, buste, oggetti trovati in studio, un po’ per mantenere il mood acustico, un po’ perché non c’è un batterista in Viva Lion!

Hai vissuto in Canada e hai tenuto concerti anche negli Stati Uniti; hai notato un diverso modo, da parte del pubblico, di rapportarsi alla tua musica rispetto ad un’audience italiana?

Negli Stati Uniti ho riscontrato più partecipazione. Ho notato, ma parlo della California, una certa predisposizione al divertimento, a partecipare. I canadesi sono molto ‘quiet’, tranquilli.

Progetti per il futuro? Dal vivo continuerà il sodalizio con Claudio Falconi o opterai per una dimensione solitaria?

Progetti: ho iniziato a lavorare al full album e stanno arrivando nuovi concerti in Italia. Claudio vive a Los Angeles da due mesi e ci resterà per un bel po’. Suoneremo insieme a Giugno in California e Colorado, mentre in Italia lo ha sostituito Marco Lo Forti degli Autoreverse. A volte invece suono da solo.

(La foto di Daniele Cardinale aka Viva Lion! è di Stefano Delìa)